- Boletim Informativo do MARGS, nº 4 jan/abr, 1977
Debate coletivo reúne vários artistas
- As mulheres gordas de Magliani: um espasmo corporal
Entrevista com a repórter Liane dos Santos na Galeria Independência, Porto Alegre 10-6-1977
- Boletim Informativo do MARGS, nº 32, jan/mar, 1987
Entrevista a João Carlos Tiburski - editor
- Entrevista concedida à repórter Michele Rolim em função da exposição na Casa da Gravura em Porto Alegre
Jornal do Comércio, RS | novembro de 2010
Debate coletivo reúne vários artistas
- As mulheres gordas de Magliani: um espasmo corporal
Entrevista com a repórter Liane dos Santos na Galeria Independência, Porto Alegre 10-6-1977
- Boletim Informativo do MARGS, nº 32, jan/mar, 1987
Entrevista a João Carlos Tiburski - editor
- Entrevista concedida à repórter Michele Rolim em função da exposição na Casa da Gravura em Porto Alegre
Jornal do Comércio, RS | novembro de 2010
Boletim Informativo do MARGS,
ano 2, nº 4, jan/abr, 1977
Selecta do Museu - Entre-falas: Sistema
Mercado de Arte
Após os depoimentos de marchands e colecionadores sobre o nosso mercado de arte, chegou a vez dos artistas plásticos. Estão presentes aqui Alice Brueggemann, Carlos Alberto Petrucci, Carlos Asp, Elizabeth Nuñes, Francisco Stockinger, Gomercindo Pacheco (Guma), Ilsa Monteiro, José Carlos Moura, Maria Lídia Magliani, Paulo Porcella, Plínio César Bernhardt, Rose Lutzenberger, Zorávia Bettiol, que respondem às seguintes perguntas:
– A arte lhe basta para viver?
– O mercado de arte pressiona e condiciona o artista a um tipo de produção vendável?
– O uso do suporte não-convencional restringe a aceitação da obra por parte do comprador?
– Prefere trabalhar com a peça única ou com múltiplos?
– De que maneira prefere comercializar a sua obra?
A arte lhe basta para viver?
Alice – A arte me bastaria, porém, prefiro desenvolver paralelamente outra atividade.
Petrucci – Sempre tive uma atividade paralela que me garantisse o pão e me permitisse pintar com liberdade o que quero e gosto.
Asp – Arte não é um meio de vida. Um caminho, uma ligação com a Unidade, uma maneira de realizar, evoluir e crescer. Mas, paralelamente à atividade artística, estudo e pesquiso astrologia, que me serve, inclusive, como fonte de renda maior, pelo trabalho de orientação astrológica.
Beth – Nunca encarei o resultado econômico de meu trabalho como condição de sobrevivência. Contudo, reconheço a necessidade de o “fazer artístico” tornar-se uma atividade profissional, para que possa ser encarado com maior seriedade e melhor desenvolvido.
Xico – Atualmente, sobrevivo apenas fazendo escultura; já poderia estar vivendo apenas de escultura desde 1962.
Guma – Atualmente, estou produzindo bastante e vivendo somente da minha arte.
Ilsa – Poucas são as pessoas que se encontram em paz com a vida, pois vida é luta pela própria vida. Mas, lutar fazendo arte ainda é uma das coisas mais gratificantes que a pessoa pode ter, independentemente do resultado econômico que poderá advir deste seu fazer. Se a criatividade não desse uma satisfação imediata, não teríamos tanto artista no mundo. Não dependo economicamente da arte, mas dependo dela pelo que me renova e me vivifica.
Moura – Estou vivendo exclusivamente do trabalho de arte desde que decidi encarar meu trabalho como profissão, isso não foi fácil e nem está sendo. Uma vez assumida essa posição, me dediquei a trabalhar diariamente porque o envolvimento constante com aquilo que se faz é muito importante inclusive a seqüência e o desenvolvimento do trabalho é muito mais proveitoso e a evolução aparece mais evidente do que passando intervalos sem trabalhar.
Magliani – Economicamente a arte não me basta para viver. Sempre precisei exercer outras atividades, umas por gosto, outras por necessidade, todas mal remuneradas.
Porcella – Desenvolvo outra atividade porque o nosso mercado de arte é muito irregular.
Plínio – Nunca consegui viver só da arte. Lecionei e fui desenhista técnico durante muitos anos, para conseguir continuar pintando. Só de alguns anos para cá é que a arte tem me dado resultados financeiros mais compensadores.
Rose – Todas as atividades profissionais que já exerci, direta ou indiretamente, relacionam-se com arte, arte publicitária, magistério no Instituto de Artes da UFRGS, além das demais experiências com jóias, gravura e escultura.
Zorávia – Sim. Não posso desenvolver outra atividade, pois o trabalho do ateliê me ocupa a média de 12 horas diárias.
O mercado de arte pressiona e condiciona o artista a um tipo de produção vendável?
Alice – Não necessariamente.
Petrucci – Sim. A prova disto é que grande parte dos artistas, na maturidade, hegando a um equilíbrio entre qualidade e aceitação, cristalizam-se, repetem-se porque é isto o que o público e o mercado esperam deles. Infelizmente, é assim no Rio Grande, no Brasil e no mundo.
Asp – Se mercado de arte quer dizer um sistema dirigido de galerias e marchands que tentam definir o que deve ou não ser comprado (digerido) pelos eventuais colecionadores, auxiliados por fraqueza ou ganância de alguns bem-dotados artesãos da cor e da forma, se poderia dizer que existe até um complô armado entre estes para deformar a cultura de um povo (uma cidade), sem permitir assim que formas não concordes com os padrões por eles definidos como vendáveis cheguem sequer ser mostrados ao público em geral.
Beth – Não creio que o mercado de arte exerça alguma pressão diretamente sobre a produção do artista. Creio, sim, que é o próprio sistema em que vivemos que nos condiciona a um tipo de comportamento; como membros de uma sociedade capitalista e competitiva, sofremos pressões e condicionamentos aos quais algunssão mais vulneráveis e outros menos, pelos mais variados motivos, desde necessidade de sobrevivência até a necessidade de status, projeção, compensação em nível emocional, etc.
Xico – A questão de condicionamento não é uma questão de mercado de arte, mas sim de falta de personalidade artística e mesmo moral.
Guma – O mercado tem adquirido toda a minha produção sem nenhuma exigência.
Ilsa – Quanto à questão de que o mercado de arte pode pressionar o artista a um certo tipo de produção vendável, acho que cabe ao artista preservar sua liberdade, atendendo ou não a preferência do público. Esta preferência resulta geralmente do acerto do artista, e o que mais o condiciona não é o mercado, mas sim o próprio acerto, pelo medo ao desacerto.
Moura – É evidente que existem casos, mas quem procede assim está com os dias de sua carreira contados, porque ninguém consegue enganar por muito tempo. O artista deve ser tão autêntico ao ponto de impor aquilo que faz, aquilo que tem vontade e acha que é certo, tem que ser coerente consigo mesmo e não deixar que os outros imponham os seus gostos e desejos.
Magliani – Não é exatamente o mercado de arte que pressiona e condiciona, mas pode haver pressões através dele, causadas por uma estrutura (ou falta de) econômica muito complexa, da qual o mercado de arte é apenas uma parte a ser considerada.
Porcella – Se o artista estiver a fim de aumentar sua conta bancária, talvez, mas é uma atitude muito pessoal.
Plínio – Quando eu não vendia, fazia arte exatamente como queria fazer. Hoje, vendo bastante e continuo fazendo o que eu quero. Logo, o mercado de arte não pressiona o artista, mas sim passa a aceitá-lo. Mas ninguém se engane, o artista só passa a vender bem uma arte aprimorada e definitiva, que é sempre fruto de muitos anos de trabalho.
Rose – Certas manifestações artísticas agradam mais ao público consumidor do que outras, no entanto, não acredito que um artista cônscio e convicto da sua forma de expressão se deixe pressionar ou condicionar por tendências do mercado de arte.
Zorávia – Não acredito nisso embora haja, muitas vezes, a “moda” de tal técnica, tema ou artista, mas de efêmera duração. Um trabalho bom e sério acaba tendo o seu público.
O uso do suporte não-convencional restringe a aceitação da obra por parte do comprador?
Alice – Sim, o comprador se preocupa com a durabilidade da obra.
Petrucci – O comprador desconfia do suporte nãoconvencional por não conhecer a sua resistência ao tempo. Todo comprador, por menos ambicioso que seja, deseja ver a obra que possui bem conservada e valorizada.
Asp – Não existe este “uso de suporte não-convencional”, pois o que se poderia dizer convencional como suporte quando até idéias não fixadas podem servir como manifestação artística? O que existe é a obra ou atuação ou acontecimento, e a vivência desta situação. Participar de um ato é maior que possuí-lo. No momento em que cessem as regalias de poder econômico para alguns, no sentido de possuidores únicos, uma maior inter-relação entre público e obra poderá se dar, visto que será necessário viver ao máximo o instante, o acontecimento sem a angústia de querer comprar a obra; elimina-se o silêncio posterior do isolamento com o único dono, a morte em vida da obra.
Beth – Realmente, o público de arte ainda está condicionado por “conceitos” de arte que nos vêm de muitos séculos. Há um gosto, uma maneira de ver e sentir a “obra de arte” muito presa ainda a valores estabelecidos no passado, que não evoluíram paralelamente com as ciências, as artes e a própria humanidade (tecnologia). Em termos de “arte” ainda se faz muita restrição ao novo, ao não-convencional, ao que rompe as barreiras e extrapola. É mais fácil aceitar o conhecido, o já feito, o que já está dentro e ajustado a uma escala de valores estabelecidos.
Xico – Não entendo muito bem a pergunta, mas vou respondê-la. A obra de arte para ser apreciada em sua plenitude deve estar condignamente apresentada, isto é, um quadro ganha quando bem emoldurado e bem iluminado. Da mesma forma, uma escultura colocada sobre um suporte que a coloque à altura dos olhos, é melhor apreciada do que jogada num canto do chão. Mas em todos os casos, o valor artístico da obra continua o mesmo.
Guma – Sim. O trabalho tem que ser sólido, ter durabilidade, caso contrário não é adquirido. No meu caso, emprego somente madeira de lei em minhas esculturas. No início, usava qualquer tipo de material, porém, agora eu os seleciono.
Ilsa – Geralmente o suporte não-convencional não se insere no esquema de mercado de arte, a menos que ele conserve certos valores estéticos tradicionais de forma, equilíbrio e harmonia. O que foge deste contexto perturba o comprador, que não está disposto a arriscar em possíveis valores que só o tempo irá determinar. O artista é, por natureza, contestador e muitas vezes se empolga com os conteúdos de protesto e acaba esquecendo da forma plástica. Um protesto despido ninguém compra. Mesmo porque o mercado está saturado de protestos. Protesta-se inclusive de graça.
Moura – O que tem acontecido na maioria das vezes quando se quer inovar em matéria de suporte é o mau gosto e a não-funcionalidade de tais suportes. Ninguém quer pôr em sua casa um objeto que não tenha nenhuma funcionalidade, ou seja uma arapuca que não dá certo em nenhum canto do ambiente. Essas coisas modernosas restringem, sim, a aceitação, e com muita razão. Eu acho que se deve inovar, mas com bastante cautela, analisando os prós e os contras.
Magliani – Já assisti a episódios engraçados em que realmente a moldura era mais discutida e mais considerada do que a obra em si. Este é um problema de formação e não só dos compradores; alguns negociantes de arte também têm a tendência a supervalorizar o suporte. Quanto ao suporte não-convencional, este é geralmente usado em obras não-convencionais e talvez o conjunto obra-suporte, este sim, restringe a aceitação, mas me parece um problema do comprador e não da obra. Esta não pode se restringir, limitar à (in)formação daquele.
Porcella – Poderia dizer que sim, pois não se poderia comprar indiscriminadamente certas obras, quando não teríamos onde colocá-las.
Plínio – Não, não restringe. Quando a obra tem valor artístico é vendida da mesma forma, porém o comprador não paga para levar obras perecíveis, de papelão ou papel de embrulho. Em artes plásticas, idéias não podem ser vendidas, devem ser documentadas.
Rose – As características físicas desses suportes nãoconvencionais muitas vezes exigem espaços especiais e expressam conteúdos que não se enquadram em qualquer
ambiente. Obviamente, por estas razões, a aceitação da obra por parte do público consumidor pode se tornar bastante restrita, o que, no entanto, não vem em detrimento de seu valor como obra de arte.
Zorávia – A escolha de um suporte convencional ou não é um detalhe que vai depender do gosto e da mentalidade do comprador.
Prefere trabalhar com a peça única ou com múltiplos?
Alice – Gosto da peça única, mas os múltiplos me possibilitam alcançar um público maior.
Petrucci – Com a peça única. Me expresso melhor através da pintura, não tenho, portanto, opção.
Asp – Essa pergunta não faz mais sentido pela razão de que qualquer maneira ou situação pode receber uma interferência criativa ou mesmo uma inter-relação, racional ou sensitiva. As manifestações devem abandonar a linearidade lógica para não caírem no óbvio castrador.
Beth – Em termos de preferência de linguagem, por necessidade muito íntima, me expresso melhor através de técnicas que têm como resultado a obra única, ou seja, desenho e pintura; mas reconheço a vantagem, na época atual, e mesmo a grande necessidade, do usode uma linguagem expressiva que comunique e atinja um maior público, que se torne mais acessível, que desmistifique e deselitize a “obra única”. Vejo, na gravura, uma das melhores opções.
Xico – Na questão dos múltiplos ando numa confusão sem tamanho. Eu não faço múltiplos. Eu tiro um certo número de cópias e as numero, em geral como se numera uma gravura. Não me consta que uma gravura seja um múltiplo, no sentido que se procurou dar a esta palavra há uns 10 anos.
Guma – Prefiro trabalhar com a peça única, nunca faço repetição. A vantagem disso é que sempre terá mercado, pois quando a peça é rara ela torna-se bastante procurada.
Ilsa – O múltiplo representa uma dupla vantagem, tanto para o artista, que pode divulgar melhor sua obra, como para o comprador, que pode adquiri-la por preço mais acessível. Tentei fazer múltiplos com acrílico, que ficaram reduzidos a dois exemplares apenas, não iguais, mas semelhantes. Concluo, portanto, que o múltiplo executado pelo próprio artista é quase uma peça única.
Moura – Sempre tive uma queda muito especial para o lado do múltiplo, a razão da escolha já vem da personalidade da pessoa, pois o trabalho de cada um se presta mais para determinada técnica. Acredito também que o múltiplo tem várias vantagens, por exemplo: é mais acessível no preço, divulga mais o artista pelo fato de estar em vários lugares ao mesmo tempo com o mesmo trabalho. Apesar de que muitas pessoas ainda não compram múltiplos porque não gostariam de ver um trabalho igual ao seu na casa do vizinho mais pobre.
Magliani – A feitura de peça única me interessa mais porque é mais direta, não depende de intermediários. Os múltiplos me interessam pela possibilidade de tornar o trabalho mais acessível a um público mais amplo. No meu caso não há vantagens nem opção. Gostaria de trabalhar com gravura mas atualmente não poderia montar um ateliê de lito, por exemplo, nem teria tempo para me dedicar como seria necessário (sou uma péssima impressora).
Porcella – Ambas se equivalem, depende somente do tipo da obra e técnica.
Plínio – Adotei as duas formas. O desenho ou a pintura trazem o toque indelével do momento da criação. O múltiplo (no caso da gravura) perde muito no momento da reprodução mecânica, mas, por outro lado, atinge um número maior de pessoas.
Rose – Trabalho com ambas as possibilidades. Como vantagens do múltiplo, assinalo: para o artista, maior divulgação e rentabilidade; para o comprador, uma aquisição autenticada e de bom nível a preço mais acessível.
Zorávia – Como acho que no fim do século XX a arte deve, por todos os meios possíveis, atingir o maior número de pessoas, sou a favor do múltiplo e da tiragem, quando feitos com critério e qualidade. Acho que a escola, o museu, o ateliê, a galeria, a televisão, o cinema, o livro, a revista, o jornal, etc, são meios valiosos de divulgar as artes plásticas, quando dirigidos por profissionais competentes. É importante também o monumento, o mural, a peça única, enfim, em praça e edifícios públicos ou particulares.
De que maneira prefere comercializar a sua obra?
Alice – Através de galerias e marchands.
Petrucci – Nos últimos anos tenho feito isso diretamente com o comprador. Não é o ideal, mas a minha obra atual é numericamente pequena por serem os quadros muito trabalhados; raramente tenho quadros disponíveis para serem vendidos em galerias.
Beth – Sendo o ato de criação, que muitas vezes resulta em “obra”, uma das mais importantes manifestações humanas, não me agrada o caráter comercial de que está revestido; pertencendo à área da emoção, da sensibilidade, do pensamento, de toda uma postura do ser humano diante da vida, uma manifestação de humanidade (mesmo que intelectualizada), não pode ser arrolada no terreno puro e simples do comércio. No entanto, tenho de reconhecer, numa ponderação lógica, que vivemos numa sociedade que valoriza todo o trabalho em termos de comércio e portanto tudo deve ter seu valor comercial. Apenas me limito a aceitar o fato como contingência inevitável. Existe um valor comercial para o meu trabalho. Procuro, no entanto, preservar minha liberdade de aceitar ou não as decorrências deste fato no momento oportuno.
Xico – Eu vendo o meu peixe de qualquer maneira, mas prefiro me manter afastado disso. Prefiro que as galerias tratem do assunto. Ganha-se menos, é certo, mas eu prefiro assim.
Guma – Divulgando meus trabalhos; a obra fica conhecida e automaticamente comercializada. Prefiro vender em meu próprio ateliê que já está sendo bastante procurado pelos colecionadores.
Ilsa – Francamente não sei o que responder, talvez porque não tenha havido nenhuma preocupação de minha parte a respeito deste assunto.
Moura – Ainda prefiro as galerias porque é o meio mais adequado de maior número de pessoas apreciarem o trabalho, pois não se faz arte só para aqueles que têm condições de comprar arte. Porém, o lado financeiro fica bastante prejudicado porque a galeria cobra uma certa percentagem, o que é muito justo, pois ninguém deve trabalhar de graça. Acrescentando nessa percentagem mais a parte de suporte, mais material, dificilmente o artista recebe 50 % do valor comercial da obra.
Magliani – Gosto do sistema de galerias, desde que o marchand não se intrometa no trabalho do artista e não se exima do seu, ou imponha condições que conflituem com os princípios de cada artista. Eu não saberia comercializar meus trabalhos, não sei lidar com dinheiro, prefiro que o marchand o faça. Ele entende mais do mercado do que eu; mas da minha pintura eu pretendo entender mais do que ele. Não tenho marchand particular, nem creio que algum se interessasse, pois não tenho um mercado muito amplo. Trabalho com as galerias que se interessam pelo meu trabalho e discuto muito quando não concordo com alguma coisa. Gostaria que houvesse mais dinamismo nas galerias e também que os que lidam com arte confiassem mais no trabalho do artista gaúcho e o divulgassem fora do Estado. Atualmente me parece que este trabalho tem que ser feito pelo próprio artista interessado e eu não sei até que ponto é do interesse ou da atribuição do marchand.
Porcella – Sou pintor e não comerciante, portanto a melhor maneira de comercializar a minha obra é aquela que não me envolva no processo.
Plínio – Através de galerias e marchands.
Rose – Preferencialmente por meio de instituições culturais, particularmente e eventualmente por meio de galerias comerciais.
Zorávia – O ideal seria o artista ter um representante, que se encarregasse de divulgar e comercializar seu trabalho nacional e internacionalmente. Mas, infelizmente, isso é uma utopia, pois carecemos de elemento humano para essa função. Sou obrigada, pelas circunstâncias, a divulgar e comercializar meu trabalho com a ajuda de nossas secretárias, por meio de meu ateliê.
ano 2, nº 4, jan/abr, 1977
Selecta do Museu - Entre-falas: Sistema
Mercado de Arte
Após os depoimentos de marchands e colecionadores sobre o nosso mercado de arte, chegou a vez dos artistas plásticos. Estão presentes aqui Alice Brueggemann, Carlos Alberto Petrucci, Carlos Asp, Elizabeth Nuñes, Francisco Stockinger, Gomercindo Pacheco (Guma), Ilsa Monteiro, José Carlos Moura, Maria Lídia Magliani, Paulo Porcella, Plínio César Bernhardt, Rose Lutzenberger, Zorávia Bettiol, que respondem às seguintes perguntas:
– A arte lhe basta para viver?
– O mercado de arte pressiona e condiciona o artista a um tipo de produção vendável?
– O uso do suporte não-convencional restringe a aceitação da obra por parte do comprador?
– Prefere trabalhar com a peça única ou com múltiplos?
– De que maneira prefere comercializar a sua obra?
A arte lhe basta para viver?
Alice – A arte me bastaria, porém, prefiro desenvolver paralelamente outra atividade.
Petrucci – Sempre tive uma atividade paralela que me garantisse o pão e me permitisse pintar com liberdade o que quero e gosto.
Asp – Arte não é um meio de vida. Um caminho, uma ligação com a Unidade, uma maneira de realizar, evoluir e crescer. Mas, paralelamente à atividade artística, estudo e pesquiso astrologia, que me serve, inclusive, como fonte de renda maior, pelo trabalho de orientação astrológica.
Beth – Nunca encarei o resultado econômico de meu trabalho como condição de sobrevivência. Contudo, reconheço a necessidade de o “fazer artístico” tornar-se uma atividade profissional, para que possa ser encarado com maior seriedade e melhor desenvolvido.
Xico – Atualmente, sobrevivo apenas fazendo escultura; já poderia estar vivendo apenas de escultura desde 1962.
Guma – Atualmente, estou produzindo bastante e vivendo somente da minha arte.
Ilsa – Poucas são as pessoas que se encontram em paz com a vida, pois vida é luta pela própria vida. Mas, lutar fazendo arte ainda é uma das coisas mais gratificantes que a pessoa pode ter, independentemente do resultado econômico que poderá advir deste seu fazer. Se a criatividade não desse uma satisfação imediata, não teríamos tanto artista no mundo. Não dependo economicamente da arte, mas dependo dela pelo que me renova e me vivifica.
Moura – Estou vivendo exclusivamente do trabalho de arte desde que decidi encarar meu trabalho como profissão, isso não foi fácil e nem está sendo. Uma vez assumida essa posição, me dediquei a trabalhar diariamente porque o envolvimento constante com aquilo que se faz é muito importante inclusive a seqüência e o desenvolvimento do trabalho é muito mais proveitoso e a evolução aparece mais evidente do que passando intervalos sem trabalhar.
Magliani – Economicamente a arte não me basta para viver. Sempre precisei exercer outras atividades, umas por gosto, outras por necessidade, todas mal remuneradas.
Porcella – Desenvolvo outra atividade porque o nosso mercado de arte é muito irregular.
Plínio – Nunca consegui viver só da arte. Lecionei e fui desenhista técnico durante muitos anos, para conseguir continuar pintando. Só de alguns anos para cá é que a arte tem me dado resultados financeiros mais compensadores.
Rose – Todas as atividades profissionais que já exerci, direta ou indiretamente, relacionam-se com arte, arte publicitária, magistério no Instituto de Artes da UFRGS, além das demais experiências com jóias, gravura e escultura.
Zorávia – Sim. Não posso desenvolver outra atividade, pois o trabalho do ateliê me ocupa a média de 12 horas diárias.
O mercado de arte pressiona e condiciona o artista a um tipo de produção vendável?
Alice – Não necessariamente.
Petrucci – Sim. A prova disto é que grande parte dos artistas, na maturidade, hegando a um equilíbrio entre qualidade e aceitação, cristalizam-se, repetem-se porque é isto o que o público e o mercado esperam deles. Infelizmente, é assim no Rio Grande, no Brasil e no mundo.
Asp – Se mercado de arte quer dizer um sistema dirigido de galerias e marchands que tentam definir o que deve ou não ser comprado (digerido) pelos eventuais colecionadores, auxiliados por fraqueza ou ganância de alguns bem-dotados artesãos da cor e da forma, se poderia dizer que existe até um complô armado entre estes para deformar a cultura de um povo (uma cidade), sem permitir assim que formas não concordes com os padrões por eles definidos como vendáveis cheguem sequer ser mostrados ao público em geral.
Beth – Não creio que o mercado de arte exerça alguma pressão diretamente sobre a produção do artista. Creio, sim, que é o próprio sistema em que vivemos que nos condiciona a um tipo de comportamento; como membros de uma sociedade capitalista e competitiva, sofremos pressões e condicionamentos aos quais algunssão mais vulneráveis e outros menos, pelos mais variados motivos, desde necessidade de sobrevivência até a necessidade de status, projeção, compensação em nível emocional, etc.
Xico – A questão de condicionamento não é uma questão de mercado de arte, mas sim de falta de personalidade artística e mesmo moral.
Guma – O mercado tem adquirido toda a minha produção sem nenhuma exigência.
Ilsa – Quanto à questão de que o mercado de arte pode pressionar o artista a um certo tipo de produção vendável, acho que cabe ao artista preservar sua liberdade, atendendo ou não a preferência do público. Esta preferência resulta geralmente do acerto do artista, e o que mais o condiciona não é o mercado, mas sim o próprio acerto, pelo medo ao desacerto.
Moura – É evidente que existem casos, mas quem procede assim está com os dias de sua carreira contados, porque ninguém consegue enganar por muito tempo. O artista deve ser tão autêntico ao ponto de impor aquilo que faz, aquilo que tem vontade e acha que é certo, tem que ser coerente consigo mesmo e não deixar que os outros imponham os seus gostos e desejos.
Magliani – Não é exatamente o mercado de arte que pressiona e condiciona, mas pode haver pressões através dele, causadas por uma estrutura (ou falta de) econômica muito complexa, da qual o mercado de arte é apenas uma parte a ser considerada.
Porcella – Se o artista estiver a fim de aumentar sua conta bancária, talvez, mas é uma atitude muito pessoal.
Plínio – Quando eu não vendia, fazia arte exatamente como queria fazer. Hoje, vendo bastante e continuo fazendo o que eu quero. Logo, o mercado de arte não pressiona o artista, mas sim passa a aceitá-lo. Mas ninguém se engane, o artista só passa a vender bem uma arte aprimorada e definitiva, que é sempre fruto de muitos anos de trabalho.
Rose – Certas manifestações artísticas agradam mais ao público consumidor do que outras, no entanto, não acredito que um artista cônscio e convicto da sua forma de expressão se deixe pressionar ou condicionar por tendências do mercado de arte.
Zorávia – Não acredito nisso embora haja, muitas vezes, a “moda” de tal técnica, tema ou artista, mas de efêmera duração. Um trabalho bom e sério acaba tendo o seu público.
O uso do suporte não-convencional restringe a aceitação da obra por parte do comprador?
Alice – Sim, o comprador se preocupa com a durabilidade da obra.
Petrucci – O comprador desconfia do suporte nãoconvencional por não conhecer a sua resistência ao tempo. Todo comprador, por menos ambicioso que seja, deseja ver a obra que possui bem conservada e valorizada.
Asp – Não existe este “uso de suporte não-convencional”, pois o que se poderia dizer convencional como suporte quando até idéias não fixadas podem servir como manifestação artística? O que existe é a obra ou atuação ou acontecimento, e a vivência desta situação. Participar de um ato é maior que possuí-lo. No momento em que cessem as regalias de poder econômico para alguns, no sentido de possuidores únicos, uma maior inter-relação entre público e obra poderá se dar, visto que será necessário viver ao máximo o instante, o acontecimento sem a angústia de querer comprar a obra; elimina-se o silêncio posterior do isolamento com o único dono, a morte em vida da obra.
Beth – Realmente, o público de arte ainda está condicionado por “conceitos” de arte que nos vêm de muitos séculos. Há um gosto, uma maneira de ver e sentir a “obra de arte” muito presa ainda a valores estabelecidos no passado, que não evoluíram paralelamente com as ciências, as artes e a própria humanidade (tecnologia). Em termos de “arte” ainda se faz muita restrição ao novo, ao não-convencional, ao que rompe as barreiras e extrapola. É mais fácil aceitar o conhecido, o já feito, o que já está dentro e ajustado a uma escala de valores estabelecidos.
Xico – Não entendo muito bem a pergunta, mas vou respondê-la. A obra de arte para ser apreciada em sua plenitude deve estar condignamente apresentada, isto é, um quadro ganha quando bem emoldurado e bem iluminado. Da mesma forma, uma escultura colocada sobre um suporte que a coloque à altura dos olhos, é melhor apreciada do que jogada num canto do chão. Mas em todos os casos, o valor artístico da obra continua o mesmo.
Guma – Sim. O trabalho tem que ser sólido, ter durabilidade, caso contrário não é adquirido. No meu caso, emprego somente madeira de lei em minhas esculturas. No início, usava qualquer tipo de material, porém, agora eu os seleciono.
Ilsa – Geralmente o suporte não-convencional não se insere no esquema de mercado de arte, a menos que ele conserve certos valores estéticos tradicionais de forma, equilíbrio e harmonia. O que foge deste contexto perturba o comprador, que não está disposto a arriscar em possíveis valores que só o tempo irá determinar. O artista é, por natureza, contestador e muitas vezes se empolga com os conteúdos de protesto e acaba esquecendo da forma plástica. Um protesto despido ninguém compra. Mesmo porque o mercado está saturado de protestos. Protesta-se inclusive de graça.
Moura – O que tem acontecido na maioria das vezes quando se quer inovar em matéria de suporte é o mau gosto e a não-funcionalidade de tais suportes. Ninguém quer pôr em sua casa um objeto que não tenha nenhuma funcionalidade, ou seja uma arapuca que não dá certo em nenhum canto do ambiente. Essas coisas modernosas restringem, sim, a aceitação, e com muita razão. Eu acho que se deve inovar, mas com bastante cautela, analisando os prós e os contras.
Magliani – Já assisti a episódios engraçados em que realmente a moldura era mais discutida e mais considerada do que a obra em si. Este é um problema de formação e não só dos compradores; alguns negociantes de arte também têm a tendência a supervalorizar o suporte. Quanto ao suporte não-convencional, este é geralmente usado em obras não-convencionais e talvez o conjunto obra-suporte, este sim, restringe a aceitação, mas me parece um problema do comprador e não da obra. Esta não pode se restringir, limitar à (in)formação daquele.
Porcella – Poderia dizer que sim, pois não se poderia comprar indiscriminadamente certas obras, quando não teríamos onde colocá-las.
Plínio – Não, não restringe. Quando a obra tem valor artístico é vendida da mesma forma, porém o comprador não paga para levar obras perecíveis, de papelão ou papel de embrulho. Em artes plásticas, idéias não podem ser vendidas, devem ser documentadas.
Rose – As características físicas desses suportes nãoconvencionais muitas vezes exigem espaços especiais e expressam conteúdos que não se enquadram em qualquer
ambiente. Obviamente, por estas razões, a aceitação da obra por parte do público consumidor pode se tornar bastante restrita, o que, no entanto, não vem em detrimento de seu valor como obra de arte.
Zorávia – A escolha de um suporte convencional ou não é um detalhe que vai depender do gosto e da mentalidade do comprador.
Prefere trabalhar com a peça única ou com múltiplos?
Alice – Gosto da peça única, mas os múltiplos me possibilitam alcançar um público maior.
Petrucci – Com a peça única. Me expresso melhor através da pintura, não tenho, portanto, opção.
Asp – Essa pergunta não faz mais sentido pela razão de que qualquer maneira ou situação pode receber uma interferência criativa ou mesmo uma inter-relação, racional ou sensitiva. As manifestações devem abandonar a linearidade lógica para não caírem no óbvio castrador.
Beth – Em termos de preferência de linguagem, por necessidade muito íntima, me expresso melhor através de técnicas que têm como resultado a obra única, ou seja, desenho e pintura; mas reconheço a vantagem, na época atual, e mesmo a grande necessidade, do usode uma linguagem expressiva que comunique e atinja um maior público, que se torne mais acessível, que desmistifique e deselitize a “obra única”. Vejo, na gravura, uma das melhores opções.
Xico – Na questão dos múltiplos ando numa confusão sem tamanho. Eu não faço múltiplos. Eu tiro um certo número de cópias e as numero, em geral como se numera uma gravura. Não me consta que uma gravura seja um múltiplo, no sentido que se procurou dar a esta palavra há uns 10 anos.
Guma – Prefiro trabalhar com a peça única, nunca faço repetição. A vantagem disso é que sempre terá mercado, pois quando a peça é rara ela torna-se bastante procurada.
Ilsa – O múltiplo representa uma dupla vantagem, tanto para o artista, que pode divulgar melhor sua obra, como para o comprador, que pode adquiri-la por preço mais acessível. Tentei fazer múltiplos com acrílico, que ficaram reduzidos a dois exemplares apenas, não iguais, mas semelhantes. Concluo, portanto, que o múltiplo executado pelo próprio artista é quase uma peça única.
Moura – Sempre tive uma queda muito especial para o lado do múltiplo, a razão da escolha já vem da personalidade da pessoa, pois o trabalho de cada um se presta mais para determinada técnica. Acredito também que o múltiplo tem várias vantagens, por exemplo: é mais acessível no preço, divulga mais o artista pelo fato de estar em vários lugares ao mesmo tempo com o mesmo trabalho. Apesar de que muitas pessoas ainda não compram múltiplos porque não gostariam de ver um trabalho igual ao seu na casa do vizinho mais pobre.
Magliani – A feitura de peça única me interessa mais porque é mais direta, não depende de intermediários. Os múltiplos me interessam pela possibilidade de tornar o trabalho mais acessível a um público mais amplo. No meu caso não há vantagens nem opção. Gostaria de trabalhar com gravura mas atualmente não poderia montar um ateliê de lito, por exemplo, nem teria tempo para me dedicar como seria necessário (sou uma péssima impressora).
Porcella – Ambas se equivalem, depende somente do tipo da obra e técnica.
Plínio – Adotei as duas formas. O desenho ou a pintura trazem o toque indelével do momento da criação. O múltiplo (no caso da gravura) perde muito no momento da reprodução mecânica, mas, por outro lado, atinge um número maior de pessoas.
Rose – Trabalho com ambas as possibilidades. Como vantagens do múltiplo, assinalo: para o artista, maior divulgação e rentabilidade; para o comprador, uma aquisição autenticada e de bom nível a preço mais acessível.
Zorávia – Como acho que no fim do século XX a arte deve, por todos os meios possíveis, atingir o maior número de pessoas, sou a favor do múltiplo e da tiragem, quando feitos com critério e qualidade. Acho que a escola, o museu, o ateliê, a galeria, a televisão, o cinema, o livro, a revista, o jornal, etc, são meios valiosos de divulgar as artes plásticas, quando dirigidos por profissionais competentes. É importante também o monumento, o mural, a peça única, enfim, em praça e edifícios públicos ou particulares.
De que maneira prefere comercializar a sua obra?
Alice – Através de galerias e marchands.
Petrucci – Nos últimos anos tenho feito isso diretamente com o comprador. Não é o ideal, mas a minha obra atual é numericamente pequena por serem os quadros muito trabalhados; raramente tenho quadros disponíveis para serem vendidos em galerias.
Beth – Sendo o ato de criação, que muitas vezes resulta em “obra”, uma das mais importantes manifestações humanas, não me agrada o caráter comercial de que está revestido; pertencendo à área da emoção, da sensibilidade, do pensamento, de toda uma postura do ser humano diante da vida, uma manifestação de humanidade (mesmo que intelectualizada), não pode ser arrolada no terreno puro e simples do comércio. No entanto, tenho de reconhecer, numa ponderação lógica, que vivemos numa sociedade que valoriza todo o trabalho em termos de comércio e portanto tudo deve ter seu valor comercial. Apenas me limito a aceitar o fato como contingência inevitável. Existe um valor comercial para o meu trabalho. Procuro, no entanto, preservar minha liberdade de aceitar ou não as decorrências deste fato no momento oportuno.
Xico – Eu vendo o meu peixe de qualquer maneira, mas prefiro me manter afastado disso. Prefiro que as galerias tratem do assunto. Ganha-se menos, é certo, mas eu prefiro assim.
Guma – Divulgando meus trabalhos; a obra fica conhecida e automaticamente comercializada. Prefiro vender em meu próprio ateliê que já está sendo bastante procurado pelos colecionadores.
Ilsa – Francamente não sei o que responder, talvez porque não tenha havido nenhuma preocupação de minha parte a respeito deste assunto.
Moura – Ainda prefiro as galerias porque é o meio mais adequado de maior número de pessoas apreciarem o trabalho, pois não se faz arte só para aqueles que têm condições de comprar arte. Porém, o lado financeiro fica bastante prejudicado porque a galeria cobra uma certa percentagem, o que é muito justo, pois ninguém deve trabalhar de graça. Acrescentando nessa percentagem mais a parte de suporte, mais material, dificilmente o artista recebe 50 % do valor comercial da obra.
Magliani – Gosto do sistema de galerias, desde que o marchand não se intrometa no trabalho do artista e não se exima do seu, ou imponha condições que conflituem com os princípios de cada artista. Eu não saberia comercializar meus trabalhos, não sei lidar com dinheiro, prefiro que o marchand o faça. Ele entende mais do mercado do que eu; mas da minha pintura eu pretendo entender mais do que ele. Não tenho marchand particular, nem creio que algum se interessasse, pois não tenho um mercado muito amplo. Trabalho com as galerias que se interessam pelo meu trabalho e discuto muito quando não concordo com alguma coisa. Gostaria que houvesse mais dinamismo nas galerias e também que os que lidam com arte confiassem mais no trabalho do artista gaúcho e o divulgassem fora do Estado. Atualmente me parece que este trabalho tem que ser feito pelo próprio artista interessado e eu não sei até que ponto é do interesse ou da atribuição do marchand.
Porcella – Sou pintor e não comerciante, portanto a melhor maneira de comercializar a minha obra é aquela que não me envolva no processo.
Plínio – Através de galerias e marchands.
Rose – Preferencialmente por meio de instituições culturais, particularmente e eventualmente por meio de galerias comerciais.
Zorávia – O ideal seria o artista ter um representante, que se encarregasse de divulgar e comercializar seu trabalho nacional e internacionalmente. Mas, infelizmente, isso é uma utopia, pois carecemos de elemento humano para essa função. Sou obrigada, pelas circunstâncias, a divulgar e comercializar meu trabalho com a ajuda de nossas secretárias, por meio de meu ateliê.
As mulheres gordas de Magliani: um espasmo corporal
Entrevista com a repórter Liane dos Santos, 10 de junho de 1977
Galeria Independência. Maio de 1979. Exposição de Magliani. Uma senhora, depois de olhar atentamente os trabalhos expostos, se aproxima da artista, sem reconhecê-la no entanto, e lhe pergunta: "Você trabalha aqui?" Magliani diz que não. A senhora insiste: "És estudante de arte?" Magliani diz que estudou arte em 1967, já está formada. A senhora então, depois de certificar que ninguém está prestando atenção àquela conversa, chega-se mais perto de Magliani, e girando o dedo indicador pela sala onde estão expostos as pinturas e os desenhos de Magliani, pergunta em tom de cumplicidade: "Sabes me explicar isso?" E a artista responde com calma, sorrindo: "Não senhora, eu só sei fazer".
Tolice tentar definir a arte de Maria Lídia Magliani, gaúcha de Pelotas que há 33 anos anda por aqui saindo somente uma vez por ano para ir a São Paulo.
Já recebeu alguns prêmios e para ela isso absolutamente não é o mais importante, tanto que nem se fixa no assunto e passa logo a falar de outras coisas.
Dona de um estilo agressivo e que em sua atual fase retrata mulheres com seus corpos aviltados por ferros e garfos, explorando de modo quase cruel as coxas e os ventres de suas modelos. Magliani pode se orgulhar, no entanto, de uma coisa: apesar de ter muitas críticas ao seu trabalho, ela é definitivamente uma artista respeitada e como tal precisa por vezes de uma boa dose de paciência e bondade para receber das pessoas as perguntas mais diversas e até certo ponto infantis sobre o seu trabalho.
Sua figura miúda por certo decepciona um pouco as pessoas que não a conhecem senão através de seus trabalhos que, de tão fortes, quase sempre dão a impressão de terem sido feitos por um homem.
Mas ela parece suficientemente estruturada para não se preocupar mais com as manifestações de pessoas que teimam em querer classificar o seu trabalho, analisar os seus motivos e tudo mais. Magliani só consegue rir ao ouvir de um jovem que seu motivo de mulheres revela um "complexo de Édipo ao contrário", ou então que ela tenha "fixação por mulheres".
Não se trata disso, evidentemente. O que Magliani tem é uma profunda coerência com sua vida e sua arte, ambas um reflexo de seu posicionamento político e social. "Meu posicionamento político é acima da política", diz Magliani quando lhe perguntam sobre a atual situação das coisas. E Acrescenta: "Me preocupo muito mais com as pessoas, com o que elas sentem, não o que elas pensam".
De fato: a própria artista procura sempre fazer mais pintura do que literatura e mesmo suas tentativas de escrever são, confessadamente, tentativas para "compreender mais ainda, não para serem lidas".
Não se trata, é claro de um ser de outro planeta, mas não se pode deixar de dizer que Magliani impressiona por seus gostos e seus modos de viver. Tem poucos discos na sua casa e perguntada sobre mitos e ídolos, ela se retrai - é literalmente desligada desse tipo de coisas. "É preciso criar e não em cima do trabalho dos outros".
É assim que Magliani vai fazendo "Brinquedos de Armar", atualmente na Galeria Independência, é a oitava exposição individual dessa artista que prefere trabalhar à noite por que sabe que ninguém vai interrompê-la e nem ela terá compromisso algum e poderá ficar pintando até "as sete horas da manhã". Mas apesar de tudo o que já fez, Magliani não se considera satisfeita. "Quando eu estiver satisfeita, pode mandar rezar a missa de sétimo dia" afirma, sorrindo.
Embora não se considere uma feminista - aliás, ela procura não se classificar em nenhum movimento "ista" - Magliani tem inegavelmente uma preocupação muito forte em relação às mulheres. Mesmo admitindo que seu trabalho não vai conseguir mudar situação alguma, ela acha importante tudo isso, e apesar de sua preocupação não girar unicamente em torno das mulheres - "os homens são tão amassados quanto elas" - Magliani reconhece que é na mulher que essa preocupação se manifesta mais.
"Minha cabeça não tem cor"
Magliani rabisca um caderninho enquanto fala e surge aos poucos um rosto de homem, também desfigurado como suas mulheres. Ela sorri enquanto larga o caderninho e acende mais um dos seus constantes cigarros. Magliani bebe muito e confessa que jamais consegue criar alguma coisa depois de ter bebido.
A conversa mudou um pouco, estamos mais sérias e eu pergunto como ela se sente por ser uma mulher de cor, qual a dificuldade ou facilidade que encontrou e encontra por ser negra. A minha pergunta a colhe de surpresa. Ela não chega a pensar na sua cor. Eu então peço perdão intimamente por tê-la incomodado com tamanha falta de sensibilidade. Cor é o que menos importa, principalmente quando a pessoa - de qualquer raça - consegue escapar desse limitado mundo das convenções que nossos antigos, já massacrados pelas mesmas regras, tentaram nos convencer como certas.
Para ela é tão natural ser negra como seria natural se fosse branca. Ela admite ter ouvido uma série de censuras quanto à sua cor em termos de mostras da sua capacidade, mas lembra que no Brasil - "somos produto de uma miscigenação" - e conclui quase que se desculpando por encerrar o assunto de um modo tão definitivo: "Minha cabeça não tem cor".
Na sua casa não tem televisão, "mesmo por que é coisa muito cômoda e se eu fico diante da televisão eu não produzo". Trabalhando na Folha da Manhã há cinco anos, Magliani, que demonstra enorme admiração por Leonardo da Vinci - a ponto de ter dado o primeiro nome de artista a um sobrinho, em sua homenagem - por vezes se mostra um pouco cansada com tudo que a cerca.
Apesar de conhecida e respeitada, Magliani se queixa um pouco da solidão. Mas não daquela solidão que possamos imaginar que alguém sinta sozinha. Ela se refere à solidão que aparece mesmo quando se está no meio de uma porção de gente. "Essa é a solidão". afirma Magliani. "Porque pareceu que de repente só temos amigos para ocasiões: "Temos o amigo para passear, o amigo para jantar, o amigo para ir à boate, o amigo com quem se pode alar algumas coisas e há sempre aquele medo muito grande por parte das pessoas em admitir um relacionamento mais profundo. Então temos que ficar sempre enfeitando nossas ideias de acordo com as pessoas com quem falamos e isso me cansa muito".
Pergunto sobre música. Ela fala em Mozart, Bach, Vivaldi. Festas: deixou de ir porque percebeu que a coisa estava se tornando um ritual, onde não acontecia nada de novo. Assim ela preferia ficar em casa lendo num sábado à noite do que sair simplesmente porque as pessoas estão fazendo isso.
CORAGEM
Renato Rosa, o dono da Galeria, se aproxima, senta conosco e toma um chá. Pergunto como teve a coragem de expor Magliani. Ele me olha. Penso que não estou sendo muito feliz nas minhas perguntas, mas aguento firme pela resposta. Renato, surpreendentemente, então confirma que “é preciso ter peito” para expor magliani, considerada uma artista “maldita”, mas por outro lado, completa, “uma galeria que chega a expor Magliani significa uma espécie de afirmação da casa”.
Depois Renato fala sobre os preços dos quadros, do mundo das artes plásticas e tudo naquela mesma atmosfera já criada por Magliani. Juntos está também Péricles Gomide e os três conversam entre si uma linguagem que não vemos na rua, nem nos escritórios. Começo a me questionar profundamente então, como que as pessoas ainda podem se fixar em coisas tão desprezíveis, como por exemplo, a cor de uma pele, avaliar a capacidade de alguém.
Magliani está mais solta, as pessoas continuam visitando a Galeria olhando em silêncio para as suas mulheres gordas. Como mulher, não ficaria melhor se Magliani pintasse flores, naturezas mortas, crianças?
Não. Decididamente, não. É preciso que ela explore ao máximo seus motivos de agressão como uma forma de lutar contra essa mesma agressão. E afinal de contas, no mundo das artes – sejam quais forem suas formas – os artistas já vivem noutro plano, onde o fato de ser homem ou mulher chega a ser um papel secundário e se torna necessidade primária o ato de criar.
Magliani não seria Magliani pintando flores, naturezas mortas ou crianças. Se fizesse isso por que uma mulher tem que ter esses motivos, ela não seria a artista que é. Ela seria aquilo que o poeta Mario Quintana disse acerca de mulheres que temem romper com seus motivos e justamente por serem mulheres acreditam que devem escrever sobre lágrimas, flores, barcos partindo...Ela seria “uma senhora formada na escola ginecológica de letras”. Ou de artes.
E todos nós perderíamos muito com isso.
Liane dos Santos
Entrevista com a repórter Liane dos Santos, 10 de junho de 1977
Galeria Independência. Maio de 1979. Exposição de Magliani. Uma senhora, depois de olhar atentamente os trabalhos expostos, se aproxima da artista, sem reconhecê-la no entanto, e lhe pergunta: "Você trabalha aqui?" Magliani diz que não. A senhora insiste: "És estudante de arte?" Magliani diz que estudou arte em 1967, já está formada. A senhora então, depois de certificar que ninguém está prestando atenção àquela conversa, chega-se mais perto de Magliani, e girando o dedo indicador pela sala onde estão expostos as pinturas e os desenhos de Magliani, pergunta em tom de cumplicidade: "Sabes me explicar isso?" E a artista responde com calma, sorrindo: "Não senhora, eu só sei fazer".
Tolice tentar definir a arte de Maria Lídia Magliani, gaúcha de Pelotas que há 33 anos anda por aqui saindo somente uma vez por ano para ir a São Paulo.
Já recebeu alguns prêmios e para ela isso absolutamente não é o mais importante, tanto que nem se fixa no assunto e passa logo a falar de outras coisas.
Dona de um estilo agressivo e que em sua atual fase retrata mulheres com seus corpos aviltados por ferros e garfos, explorando de modo quase cruel as coxas e os ventres de suas modelos. Magliani pode se orgulhar, no entanto, de uma coisa: apesar de ter muitas críticas ao seu trabalho, ela é definitivamente uma artista respeitada e como tal precisa por vezes de uma boa dose de paciência e bondade para receber das pessoas as perguntas mais diversas e até certo ponto infantis sobre o seu trabalho.
Sua figura miúda por certo decepciona um pouco as pessoas que não a conhecem senão através de seus trabalhos que, de tão fortes, quase sempre dão a impressão de terem sido feitos por um homem.
Mas ela parece suficientemente estruturada para não se preocupar mais com as manifestações de pessoas que teimam em querer classificar o seu trabalho, analisar os seus motivos e tudo mais. Magliani só consegue rir ao ouvir de um jovem que seu motivo de mulheres revela um "complexo de Édipo ao contrário", ou então que ela tenha "fixação por mulheres".
Não se trata disso, evidentemente. O que Magliani tem é uma profunda coerência com sua vida e sua arte, ambas um reflexo de seu posicionamento político e social. "Meu posicionamento político é acima da política", diz Magliani quando lhe perguntam sobre a atual situação das coisas. E Acrescenta: "Me preocupo muito mais com as pessoas, com o que elas sentem, não o que elas pensam".
De fato: a própria artista procura sempre fazer mais pintura do que literatura e mesmo suas tentativas de escrever são, confessadamente, tentativas para "compreender mais ainda, não para serem lidas".
Não se trata, é claro de um ser de outro planeta, mas não se pode deixar de dizer que Magliani impressiona por seus gostos e seus modos de viver. Tem poucos discos na sua casa e perguntada sobre mitos e ídolos, ela se retrai - é literalmente desligada desse tipo de coisas. "É preciso criar e não em cima do trabalho dos outros".
É assim que Magliani vai fazendo "Brinquedos de Armar", atualmente na Galeria Independência, é a oitava exposição individual dessa artista que prefere trabalhar à noite por que sabe que ninguém vai interrompê-la e nem ela terá compromisso algum e poderá ficar pintando até "as sete horas da manhã". Mas apesar de tudo o que já fez, Magliani não se considera satisfeita. "Quando eu estiver satisfeita, pode mandar rezar a missa de sétimo dia" afirma, sorrindo.
Embora não se considere uma feminista - aliás, ela procura não se classificar em nenhum movimento "ista" - Magliani tem inegavelmente uma preocupação muito forte em relação às mulheres. Mesmo admitindo que seu trabalho não vai conseguir mudar situação alguma, ela acha importante tudo isso, e apesar de sua preocupação não girar unicamente em torno das mulheres - "os homens são tão amassados quanto elas" - Magliani reconhece que é na mulher que essa preocupação se manifesta mais.
"Minha cabeça não tem cor"
Magliani rabisca um caderninho enquanto fala e surge aos poucos um rosto de homem, também desfigurado como suas mulheres. Ela sorri enquanto larga o caderninho e acende mais um dos seus constantes cigarros. Magliani bebe muito e confessa que jamais consegue criar alguma coisa depois de ter bebido.
A conversa mudou um pouco, estamos mais sérias e eu pergunto como ela se sente por ser uma mulher de cor, qual a dificuldade ou facilidade que encontrou e encontra por ser negra. A minha pergunta a colhe de surpresa. Ela não chega a pensar na sua cor. Eu então peço perdão intimamente por tê-la incomodado com tamanha falta de sensibilidade. Cor é o que menos importa, principalmente quando a pessoa - de qualquer raça - consegue escapar desse limitado mundo das convenções que nossos antigos, já massacrados pelas mesmas regras, tentaram nos convencer como certas.
Para ela é tão natural ser negra como seria natural se fosse branca. Ela admite ter ouvido uma série de censuras quanto à sua cor em termos de mostras da sua capacidade, mas lembra que no Brasil - "somos produto de uma miscigenação" - e conclui quase que se desculpando por encerrar o assunto de um modo tão definitivo: "Minha cabeça não tem cor".
Na sua casa não tem televisão, "mesmo por que é coisa muito cômoda e se eu fico diante da televisão eu não produzo". Trabalhando na Folha da Manhã há cinco anos, Magliani, que demonstra enorme admiração por Leonardo da Vinci - a ponto de ter dado o primeiro nome de artista a um sobrinho, em sua homenagem - por vezes se mostra um pouco cansada com tudo que a cerca.
Apesar de conhecida e respeitada, Magliani se queixa um pouco da solidão. Mas não daquela solidão que possamos imaginar que alguém sinta sozinha. Ela se refere à solidão que aparece mesmo quando se está no meio de uma porção de gente. "Essa é a solidão". afirma Magliani. "Porque pareceu que de repente só temos amigos para ocasiões: "Temos o amigo para passear, o amigo para jantar, o amigo para ir à boate, o amigo com quem se pode alar algumas coisas e há sempre aquele medo muito grande por parte das pessoas em admitir um relacionamento mais profundo. Então temos que ficar sempre enfeitando nossas ideias de acordo com as pessoas com quem falamos e isso me cansa muito".
Pergunto sobre música. Ela fala em Mozart, Bach, Vivaldi. Festas: deixou de ir porque percebeu que a coisa estava se tornando um ritual, onde não acontecia nada de novo. Assim ela preferia ficar em casa lendo num sábado à noite do que sair simplesmente porque as pessoas estão fazendo isso.
CORAGEM
Renato Rosa, o dono da Galeria, se aproxima, senta conosco e toma um chá. Pergunto como teve a coragem de expor Magliani. Ele me olha. Penso que não estou sendo muito feliz nas minhas perguntas, mas aguento firme pela resposta. Renato, surpreendentemente, então confirma que “é preciso ter peito” para expor magliani, considerada uma artista “maldita”, mas por outro lado, completa, “uma galeria que chega a expor Magliani significa uma espécie de afirmação da casa”.
Depois Renato fala sobre os preços dos quadros, do mundo das artes plásticas e tudo naquela mesma atmosfera já criada por Magliani. Juntos está também Péricles Gomide e os três conversam entre si uma linguagem que não vemos na rua, nem nos escritórios. Começo a me questionar profundamente então, como que as pessoas ainda podem se fixar em coisas tão desprezíveis, como por exemplo, a cor de uma pele, avaliar a capacidade de alguém.
Magliani está mais solta, as pessoas continuam visitando a Galeria olhando em silêncio para as suas mulheres gordas. Como mulher, não ficaria melhor se Magliani pintasse flores, naturezas mortas, crianças?
Não. Decididamente, não. É preciso que ela explore ao máximo seus motivos de agressão como uma forma de lutar contra essa mesma agressão. E afinal de contas, no mundo das artes – sejam quais forem suas formas – os artistas já vivem noutro plano, onde o fato de ser homem ou mulher chega a ser um papel secundário e se torna necessidade primária o ato de criar.
Magliani não seria Magliani pintando flores, naturezas mortas ou crianças. Se fizesse isso por que uma mulher tem que ter esses motivos, ela não seria a artista que é. Ela seria aquilo que o poeta Mario Quintana disse acerca de mulheres que temem romper com seus motivos e justamente por serem mulheres acreditam que devem escrever sobre lágrimas, flores, barcos partindo...Ela seria “uma senhora formada na escola ginecológica de letras”. Ou de artes.
E todos nós perderíamos muito com isso.
Liane dos Santos
Entrevista a João Carlos Tiburski,
Editor do Boletim Informativo do MARGS, nº 32, jan/mar, 1987
Meu idioma é a imagem
Artistas como Thomas Mann e Picasso já disseram muitas vezes que a arte é uma poderosa arma contra a mentira, o ódio, a violência, a estupidez e a falta de dignidade do homem. A arte de Magliani pode ser definida como uma arte-arma empenhada nessa luta. Esta entrevista foi elaborada ouvindo o público que visitou a mostra Auto-retrato dentro da jaula, de Magliani, em 1987 no Museu de Arte do Rio Grande do Sul.
Tiburski – Afinal, quem é a Magliani?
A maior parte do tempo me vejo como alguém em descompasso com o presente alheio. Nem sempre o que me interessa e ocupa é o mesmo que preocupa as pessoas mais próximas no momento. Isto provoca desencontros freqüentes, arestas difíceis de aparar. Mas não sei como me definir deste ou daquele jeito. Ficariam faltando muitos “eus” que não conheço, que ainda não encontrei. Não vejo nada de extraordinário nisto, suponho que aconteça com todos. Para alguns, os obstáculos são maiores ou menores, mais ou menos duradouros; os objetivos, mais ou menos definidos. Não separo a artista da pessoa. Sou toda um mesmo nó – minha escolha é pintar, não saberia como ser de outro modo. Aparentemente fiz e faço muitas outras coisas, na verdade, todas partes de uma só, a pintura. Tudo o que quero neste momento é pintar e tenho dificuldade em compreender por que é preciso falar tanto sobre uma linguagem que não pertence ao mundo da palavra. Não entendo a necessidade da palavra autenticando ou explicando a imagem, uma linguagem dependendo de outra. Acho importante quando falam sobre o que o meu trabalho move em cada um, independentemente de sua cultura ou formação. Sou eu que estou querendo perguntar, não explicar. Não sou eu que tenho as respostas, mas talvez cada um de nós encontre a sua, desde que se ouça e continue se perguntando sempre. Prefiro ouvir, saber como os demais estão vendo e saber em que sentido ou medida estou acrescentando ou não. Meu idioma é a imagem, a forma, a procura de um alfabeto próprio através da cor. O que eu penso e elaboro está no meu trabalho, o que eu tentar decodificar é redundância. Minha palavra é minha música, minha dança está aí; se não está claro, é porque eu não soube passar ou os outros ainda não souberam ver. Faço a minha parte e quero que aqueles que passam a conviver com o resultado me mostrem de que modo os atinge, que apresentem suas próprias conclusões. Uma troca: teu olho – minha mão.
Tiburski – Magliani, como foi o teu início, pintando lá no Bairro Sarandi?
Costumo ignorar as fronteiras, elas não se formam na minha cabeça e não empresto um significado especial a este ou àquele bairro, cidade, país, minha pátria é ter nascido. Sei pouco demais sobre o planeta para afirmar que pertenço a ele. Sou natural de todas as estrelas que posso ver e minha curiosidade é conhecer o outro lado delas. Ter começado a andar em Pelotas, a ler na Floresta, pintar no Sarandi, dançar nos Moinhos de Vento, expor no Menino Deus, me apaixonar na rua da Praia não são determinantes, tudo poderia teracontecido em qualquer outro lugar. Me decepcionar na rua Coronel Vicente ou na avenida São João dói do mesmo jeito. O lugar sou eu em qualquer parte, é em mim que as coisas acontecem ou esquecem de acontecer.
Tiburski – E a negritude, o feminismo e a ecologia na tua obra?
Na questão sobre a ideologia da negritude, existe uma confusão grave: o movimento não nega a cor branca nem qualquer outra, apenas afirma os direitos da raça negra ainda esquecidos, mesmo num país mestiço, e reivindica a igualdade para todas as raças. Meu trabalho expressa ou pretende expressar a mim como um todo. Logo, estão incluídas nele todas as minhas descobertas, dúvidas e preocupações – também o feminismo, a ecologia e a negritude. Estão, incluídos com todas as coisas que me formaram até aqui, mas não estou interessada em fazer panfleto de nada, não sou militante de nenhum movimento específico. Pratico minhas ideias, não gosto de proselitismo. Me interessa sempre a essência do humano, que não é divisível em credos, raças e ideologias. Ser uma pessoa de cor negra não interfere em nada na minha pintura e não entendo a sempre presente preocupação das pessoas com este aspecto. É minha vez de perguntar: por que parece tão excepcional que um negro pinte? Por que a condição racial dos artistas de cor branca nunca é mencionada? Por que sempre me perguntam como é ser negra e ser artista? Ora, é igual ao ser de qualquer outra cor. As tintas custam o mesmo preço, os moldureiros fazem os mesmos descontos e os pincéis acabam rápido do mesmo jeito para todo mundo. A diferença quem faz é a mídia. É “normal” ser branco, e, portanto, é natural que o branco faça tudo, mas, quando se trata de um negro, age como se fosse algo fantástico, um fenômeno — o macaco que pinta! Não gosto disto.
Tiburski – E o artista e a situação nacional?
Acredito que o artista plástico está convivendo com a situação nacional da mesma forma que todo mundo – mal. Sofrendo as mesmas preocupações, as mesmos inseguranças. Está apreensivo com a indefinição econômica, decepcionado com os governantes e sem ilusões em relação à Assembleia Constituinte. E não se pode negar que já se viu muitas cenas desse filme como a sucessão de pacotes e a volta triunfal da censura.
Público – Por que você não pinta paisagens?
Alguém me pergunta por que não pinto paisagens. Já pintei, sim, aquarelas, e não descarto a possibilidade de voltar a elas. Não tenho nenhum preconceito contra paisagens e paisagistas, apenas no momento estou interessada na figura humana, acho uma forma inesgotável. Para a exposição do MARGS, foram selecionados trabalhos de várias fases, onde a figura feminina está presente, mas isto não significa que eu não pesquise outras formas.
Público – Magliani, você estudou artes no exterior?
Quanto aos meus estudos, minha formação foi feita aqui, nunca estive no exterior. Meu trabalho, sim, tem viajado bastante e somente agora estou pensando em visitar outros lugares e ver coisas que foram feitas há muito tempo.
Milton Kurtz – Como entra a racionalidade no teu trabalho?
O Kurtz me indaga sobre onde entra a racionalidade no meu trabalho. Aparentemente é muito intuitivo, impulsivo mesmo, principalmente agora, quando a figura aparece mais solta, a pincelada mais livre. Acho que o racional aparece na elaboração da linguagem plástica, na escolha dos materiais, na maneira de compor os elementos no espaço e na opção por determinadas cores em detrimento de outras. O que aparece como espontâneo na minha pintura é na verdade fruto de muita elaboração plástica e gráfica. O psicológico, filosófico ou sociológico, em que muitos se prendem à primeira vista, não está para mim em primeiro plano neste momento, apenas passa pelas frestas da disciplina, o que considero muito bom, pois do contrário o resultado seria muito frio. Considero que meu trabalho é bastante aberto à interpretação de cada espectador e que cada um vai encontrar nele ou acrescentar a ele as suas prioridades. Para alguns será mais importante a discussão da linguagem em si. Para outros, a investigação da condição humana.
Armando Almeida – O visceral trágico do ser humano está sempre presente na tua obra.Afinal, Magliani, há esperanças para o homem?
Armando, por exemplo, vê no meu trabalho o mesmo visceral trágico que está presente nas suas gravuras, na carga inconfundível que ele põe na sua goiva, no seu jeito de se imprimir na madeira. E é neste agir sobre a matéria, mais do que pelo tema, que percebo nossas dúvidas. “Afinal, há esperança para os homens?” Não sei, Armando. Talvez nossa função seja continuar perguntando...
Editor do Boletim Informativo do MARGS, nº 32, jan/mar, 1987
Meu idioma é a imagem
Artistas como Thomas Mann e Picasso já disseram muitas vezes que a arte é uma poderosa arma contra a mentira, o ódio, a violência, a estupidez e a falta de dignidade do homem. A arte de Magliani pode ser definida como uma arte-arma empenhada nessa luta. Esta entrevista foi elaborada ouvindo o público que visitou a mostra Auto-retrato dentro da jaula, de Magliani, em 1987 no Museu de Arte do Rio Grande do Sul.
Tiburski – Afinal, quem é a Magliani?
A maior parte do tempo me vejo como alguém em descompasso com o presente alheio. Nem sempre o que me interessa e ocupa é o mesmo que preocupa as pessoas mais próximas no momento. Isto provoca desencontros freqüentes, arestas difíceis de aparar. Mas não sei como me definir deste ou daquele jeito. Ficariam faltando muitos “eus” que não conheço, que ainda não encontrei. Não vejo nada de extraordinário nisto, suponho que aconteça com todos. Para alguns, os obstáculos são maiores ou menores, mais ou menos duradouros; os objetivos, mais ou menos definidos. Não separo a artista da pessoa. Sou toda um mesmo nó – minha escolha é pintar, não saberia como ser de outro modo. Aparentemente fiz e faço muitas outras coisas, na verdade, todas partes de uma só, a pintura. Tudo o que quero neste momento é pintar e tenho dificuldade em compreender por que é preciso falar tanto sobre uma linguagem que não pertence ao mundo da palavra. Não entendo a necessidade da palavra autenticando ou explicando a imagem, uma linguagem dependendo de outra. Acho importante quando falam sobre o que o meu trabalho move em cada um, independentemente de sua cultura ou formação. Sou eu que estou querendo perguntar, não explicar. Não sou eu que tenho as respostas, mas talvez cada um de nós encontre a sua, desde que se ouça e continue se perguntando sempre. Prefiro ouvir, saber como os demais estão vendo e saber em que sentido ou medida estou acrescentando ou não. Meu idioma é a imagem, a forma, a procura de um alfabeto próprio através da cor. O que eu penso e elaboro está no meu trabalho, o que eu tentar decodificar é redundância. Minha palavra é minha música, minha dança está aí; se não está claro, é porque eu não soube passar ou os outros ainda não souberam ver. Faço a minha parte e quero que aqueles que passam a conviver com o resultado me mostrem de que modo os atinge, que apresentem suas próprias conclusões. Uma troca: teu olho – minha mão.
Tiburski – Magliani, como foi o teu início, pintando lá no Bairro Sarandi?
Costumo ignorar as fronteiras, elas não se formam na minha cabeça e não empresto um significado especial a este ou àquele bairro, cidade, país, minha pátria é ter nascido. Sei pouco demais sobre o planeta para afirmar que pertenço a ele. Sou natural de todas as estrelas que posso ver e minha curiosidade é conhecer o outro lado delas. Ter começado a andar em Pelotas, a ler na Floresta, pintar no Sarandi, dançar nos Moinhos de Vento, expor no Menino Deus, me apaixonar na rua da Praia não são determinantes, tudo poderia teracontecido em qualquer outro lugar. Me decepcionar na rua Coronel Vicente ou na avenida São João dói do mesmo jeito. O lugar sou eu em qualquer parte, é em mim que as coisas acontecem ou esquecem de acontecer.
Tiburski – E a negritude, o feminismo e a ecologia na tua obra?
Na questão sobre a ideologia da negritude, existe uma confusão grave: o movimento não nega a cor branca nem qualquer outra, apenas afirma os direitos da raça negra ainda esquecidos, mesmo num país mestiço, e reivindica a igualdade para todas as raças. Meu trabalho expressa ou pretende expressar a mim como um todo. Logo, estão incluídas nele todas as minhas descobertas, dúvidas e preocupações – também o feminismo, a ecologia e a negritude. Estão, incluídos com todas as coisas que me formaram até aqui, mas não estou interessada em fazer panfleto de nada, não sou militante de nenhum movimento específico. Pratico minhas ideias, não gosto de proselitismo. Me interessa sempre a essência do humano, que não é divisível em credos, raças e ideologias. Ser uma pessoa de cor negra não interfere em nada na minha pintura e não entendo a sempre presente preocupação das pessoas com este aspecto. É minha vez de perguntar: por que parece tão excepcional que um negro pinte? Por que a condição racial dos artistas de cor branca nunca é mencionada? Por que sempre me perguntam como é ser negra e ser artista? Ora, é igual ao ser de qualquer outra cor. As tintas custam o mesmo preço, os moldureiros fazem os mesmos descontos e os pincéis acabam rápido do mesmo jeito para todo mundo. A diferença quem faz é a mídia. É “normal” ser branco, e, portanto, é natural que o branco faça tudo, mas, quando se trata de um negro, age como se fosse algo fantástico, um fenômeno — o macaco que pinta! Não gosto disto.
Tiburski – E o artista e a situação nacional?
Acredito que o artista plástico está convivendo com a situação nacional da mesma forma que todo mundo – mal. Sofrendo as mesmas preocupações, as mesmos inseguranças. Está apreensivo com a indefinição econômica, decepcionado com os governantes e sem ilusões em relação à Assembleia Constituinte. E não se pode negar que já se viu muitas cenas desse filme como a sucessão de pacotes e a volta triunfal da censura.
Público – Por que você não pinta paisagens?
Alguém me pergunta por que não pinto paisagens. Já pintei, sim, aquarelas, e não descarto a possibilidade de voltar a elas. Não tenho nenhum preconceito contra paisagens e paisagistas, apenas no momento estou interessada na figura humana, acho uma forma inesgotável. Para a exposição do MARGS, foram selecionados trabalhos de várias fases, onde a figura feminina está presente, mas isto não significa que eu não pesquise outras formas.
Público – Magliani, você estudou artes no exterior?
Quanto aos meus estudos, minha formação foi feita aqui, nunca estive no exterior. Meu trabalho, sim, tem viajado bastante e somente agora estou pensando em visitar outros lugares e ver coisas que foram feitas há muito tempo.
Milton Kurtz – Como entra a racionalidade no teu trabalho?
O Kurtz me indaga sobre onde entra a racionalidade no meu trabalho. Aparentemente é muito intuitivo, impulsivo mesmo, principalmente agora, quando a figura aparece mais solta, a pincelada mais livre. Acho que o racional aparece na elaboração da linguagem plástica, na escolha dos materiais, na maneira de compor os elementos no espaço e na opção por determinadas cores em detrimento de outras. O que aparece como espontâneo na minha pintura é na verdade fruto de muita elaboração plástica e gráfica. O psicológico, filosófico ou sociológico, em que muitos se prendem à primeira vista, não está para mim em primeiro plano neste momento, apenas passa pelas frestas da disciplina, o que considero muito bom, pois do contrário o resultado seria muito frio. Considero que meu trabalho é bastante aberto à interpretação de cada espectador e que cada um vai encontrar nele ou acrescentar a ele as suas prioridades. Para alguns será mais importante a discussão da linguagem em si. Para outros, a investigação da condição humana.
Armando Almeida – O visceral trágico do ser humano está sempre presente na tua obra.Afinal, Magliani, há esperanças para o homem?
Armando, por exemplo, vê no meu trabalho o mesmo visceral trágico que está presente nas suas gravuras, na carga inconfundível que ele põe na sua goiva, no seu jeito de se imprimir na madeira. E é neste agir sobre a matéria, mais do que pelo tema, que percebo nossas dúvidas. “Afinal, há esperança para os homens?” Não sei, Armando. Talvez nossa função seja continuar perguntando...
Entrevista concedida à repórter Michele Rolim em função da exposição na Casa da Gravura
Jornal do Comércio, Porto Alegre, RS | novembro de 2010
1 - Você considera que as suas obras são, de certa forma, uma arte-arma?
MAGLIANI - Considero que é preciso haver mais arte para que existam menos armas.
2 - Quais são as suas principais influências?
MAGLIANI - Depois de tanto tempo de trabalho e de tantas mudanças, todas as influencias estão tão misturadas que não há mais sentido em identificá-las. No momento eu digo que tanto Van Gogh quanto Google.
3 - O que é mais importante pra você dentro das artes, a linguagem adotada ou o significado atribuído a ela?
MAGLIANI - Sem dúvida a primeira.O significado atribuído tem muito a ver com as expectativas de cada observador, raramente com o trabalho e o que está proposto. É,quase sempre superficial e produto de pouca atenção.
4 - Como foi o teu início dentro das artes? E o que te levou a buscar isso como profissão?
MAGLIANI - Já não localizo um início datado. Eu comecei a pintar e não parei ,é isto. A primeira exposição foi em 1966 mas certamente não foi o início. No momento, acho que arte é uma atividade, não uma profissão.
5 - Da década de 1960 você atuou como atriz, integrando o elenco em montagens como La Celestina, de Rojas, As criadas, de Jean Genet, e no papel titulo de O Negrinho do Pastoreio, de Delmar Mancuso. O teatro de alguma forma influenciou o teu trabalho atual?
MAGLIANI - Estar no palco me trouxe uma nova maneira de perceber o espaço que passou a fazer parte do espaço na pintura.
6 - Na exposição, da Casa da Gravura, estão três séries cartas, Figuras eróticas e Dançantes, além de outros trabalhos e das xilos, quais as principais características de cada série?
MAGLIANI - Nas "Cartas" a exacerbação da cor; em "Dançantes" o grafismo; não há "Figuras eróticas", não intencionalmente.Trata-se de uma interpretação, da qual discordo.
7 - Como a cor é determinante no teu trabalho?
MAGLIANI - Como desafio, desde sempre. Necessidade de criar uma cor que seja a realidade da pintura. Matisse ajuda.
8 - Você é natural de Pelotas e está morando no RJ, desde quando? O lugar que você cria tem influência nas tuas obras?
MAGLIANI - Não mudei para o Rio; apenas estou aqui no momento não lembro desde quando e nem sei por quanto tempo, como estive em outros lugares. Gosto de pensar que vivo em movimento,em direção a.
9 - O erotismo, a negritude e o feminismo são temas recorrentes da tua obra? Quais os outros?
MAGLIANI - Não, não são. O que é recorrente no meu trabalho:
A atenção ao desenho, a busca de uma interação própria entre as cores (das tintas, não da pele) e a possibilidades plásticas da figura humana (não especificamente feminina). Figuras e objetos são formas, não temas.
10 - Você já pintou paisagens. Mas agora tem um trabalho voltado para a figura humana, por que esse interesse? Pretende voltar a pintar paisagens?
MAGLIANI - Se estás considerando montanhas fazendo "duetos" com formas humanas em alguns trabalhos,eu não chamaria de "paisagens". Não lembro de ter pintado paisagens depois dos 9 anos de idade. Mas gostei da ideia, obrigada. Acho que vou inventar algumas.
11 - O teu trabalho tem viajado bastante. Para quais países ele já foi?
MAGLIANI - Que eu saiba: França, Itália, Portugal, Holanda, Alemanha e Estados Unidos.
12 - A primeira impressão que temos ao olhar uma obra sua é que ela é bastante impulsiva, em que momento entra a racionalidade?
MAGLIANI - Não identifico impulsividade no meu trabalho. Há o impulso em direção à tela mas todo o gesto passa ,necessariamente pelo pensamento. Um pensamento plástico e não explicitável através de outro meio que não a própria pintura.
13 - Como você avalia o mercado de arte brasileiro? Hoje é possível viver só da arte? Você mantém alguma atividade paralela como fonte de renda?
MAGLIANI - Ainda não é profissional o bastante para prescindir de fatores extra- arte, mas esta é uma impressão superficial e não me sinto em condições de ir além disto. A arte exige cada vez mais dedicação exclusiva. Ou não acontece. Como sou meio alternativa, nada consumista e bastante quixotesca, vou em frente.
Jornal do Comércio, Porto Alegre, RS | novembro de 2010
1 - Você considera que as suas obras são, de certa forma, uma arte-arma?
MAGLIANI - Considero que é preciso haver mais arte para que existam menos armas.
2 - Quais são as suas principais influências?
MAGLIANI - Depois de tanto tempo de trabalho e de tantas mudanças, todas as influencias estão tão misturadas que não há mais sentido em identificá-las. No momento eu digo que tanto Van Gogh quanto Google.
3 - O que é mais importante pra você dentro das artes, a linguagem adotada ou o significado atribuído a ela?
MAGLIANI - Sem dúvida a primeira.O significado atribuído tem muito a ver com as expectativas de cada observador, raramente com o trabalho e o que está proposto. É,quase sempre superficial e produto de pouca atenção.
4 - Como foi o teu início dentro das artes? E o que te levou a buscar isso como profissão?
MAGLIANI - Já não localizo um início datado. Eu comecei a pintar e não parei ,é isto. A primeira exposição foi em 1966 mas certamente não foi o início. No momento, acho que arte é uma atividade, não uma profissão.
5 - Da década de 1960 você atuou como atriz, integrando o elenco em montagens como La Celestina, de Rojas, As criadas, de Jean Genet, e no papel titulo de O Negrinho do Pastoreio, de Delmar Mancuso. O teatro de alguma forma influenciou o teu trabalho atual?
MAGLIANI - Estar no palco me trouxe uma nova maneira de perceber o espaço que passou a fazer parte do espaço na pintura.
6 - Na exposição, da Casa da Gravura, estão três séries cartas, Figuras eróticas e Dançantes, além de outros trabalhos e das xilos, quais as principais características de cada série?
MAGLIANI - Nas "Cartas" a exacerbação da cor; em "Dançantes" o grafismo; não há "Figuras eróticas", não intencionalmente.Trata-se de uma interpretação, da qual discordo.
7 - Como a cor é determinante no teu trabalho?
MAGLIANI - Como desafio, desde sempre. Necessidade de criar uma cor que seja a realidade da pintura. Matisse ajuda.
8 - Você é natural de Pelotas e está morando no RJ, desde quando? O lugar que você cria tem influência nas tuas obras?
MAGLIANI - Não mudei para o Rio; apenas estou aqui no momento não lembro desde quando e nem sei por quanto tempo, como estive em outros lugares. Gosto de pensar que vivo em movimento,em direção a.
9 - O erotismo, a negritude e o feminismo são temas recorrentes da tua obra? Quais os outros?
MAGLIANI - Não, não são. O que é recorrente no meu trabalho:
A atenção ao desenho, a busca de uma interação própria entre as cores (das tintas, não da pele) e a possibilidades plásticas da figura humana (não especificamente feminina). Figuras e objetos são formas, não temas.
10 - Você já pintou paisagens. Mas agora tem um trabalho voltado para a figura humana, por que esse interesse? Pretende voltar a pintar paisagens?
MAGLIANI - Se estás considerando montanhas fazendo "duetos" com formas humanas em alguns trabalhos,eu não chamaria de "paisagens". Não lembro de ter pintado paisagens depois dos 9 anos de idade. Mas gostei da ideia, obrigada. Acho que vou inventar algumas.
11 - O teu trabalho tem viajado bastante. Para quais países ele já foi?
MAGLIANI - Que eu saiba: França, Itália, Portugal, Holanda, Alemanha e Estados Unidos.
12 - A primeira impressão que temos ao olhar uma obra sua é que ela é bastante impulsiva, em que momento entra a racionalidade?
MAGLIANI - Não identifico impulsividade no meu trabalho. Há o impulso em direção à tela mas todo o gesto passa ,necessariamente pelo pensamento. Um pensamento plástico e não explicitável através de outro meio que não a própria pintura.
13 - Como você avalia o mercado de arte brasileiro? Hoje é possível viver só da arte? Você mantém alguma atividade paralela como fonte de renda?
MAGLIANI - Ainda não é profissional o bastante para prescindir de fatores extra- arte, mas esta é uma impressão superficial e não me sinto em condições de ir além disto. A arte exige cada vez mais dedicação exclusiva. Ou não acontece. Como sou meio alternativa, nada consumista e bastante quixotesca, vou em frente.